Lee Ranaldo: “En lugar de un concepto emocional, este álbum trata sobre un nuevo espíritu de colaboración y apertura”

Estoy muy orgulloso, creo que es una de las mejores cosas que hice”. La frase le pertenece a Lee Ranaldo, y con ella el músico se refiere a su último disco, Electric Trim. Y el neoyorquino no se equivoca: Electric Trim es una de las mejoras cosas que hizo, y esta frase cobra más importancia cuando recordamos que Ranaldo fue uno de los fundadores y patas fundamentales de Sonic Youth, una de las bandas más interesantes e icónicas de los últimos 40 años.

Electric Trim es el disco más redondo de Ranaldo. Tiene desde composiciones acústicas a experimentos electrónicos. Es un disco que propone algo distinto de canción a canción. Desde el inicio el álbum llama nuestra atención con una canción como “Moroccan Mountains”, con influencias étnicas; después aparece el sonido pop de “Uncle Skeleton”, para llegar a un dúo hermoso con Sharon Van Etten en “Last Looks”. Está también la melódica “Circular (Right as Rain)”, track con pasta de hit, la oscuridad de “Purloined”, quizás la más sonicyoutera del disco, y el final con “New Thing”, la favorita de quien escribe.

Para esta producción el ex Sonic Youth trabajó las letras con su amigo novelista Jonathan Lethem, y en la producción ayudó el catalán Raúl “Refree” Fernández. El resultado es un álbum distinto a sus anteriores, donde, según él mismo dice, lo principal fue ‘el espíritu de colaboración’. Además de Van Etten, también participaron músicos como Nels Cline de WilcoKid Millions, de la banda Oneida.

En ocasión de su visita a la Argentina para presentar en formato acústico Electric Trim el 20 de diciembre en Xirgu – Espacio Untref, IndieHearts pudo intercambiar algunas preguntas con él.

Para este disco trabajaste con el novelista Jonatha Lethem. ¿Cómo fue el proceso de composición? ¿Escribieron las canciones juntos o algunas letras son tuyas y otras de él?

El foco principal del disco son las colaboraciones, con Raúl en la música y con Jonathan en la letra. Las ideas originales para las canciones eran bastante personales, pero la escritura tomó muchas formas diferentes y pasó por las manos de Raúl y Jon. Esta exploración, abrirme a un nuevo colaborador en el aspecto musical y también compartir la escritura con un colega autor, me condujo a un territorio extraño y nuevo. Creo que esa es la columna vertebral emocional del álbum. En lugar de un concepto emocional (‘álbum de ruptura’, etc.), este álbum trata sobre un nuevo espíritu de colaboración y apertura, de poder girar a la izquierda en una calle desconocida cuando surge la necesidad.

Quería poder trabajar en el aspecto ‘lenguaje’ de las canciones de forma colaborativa, en lugar de tener que generarlo todo yo mismo. En la música para el nuevo álbum me abrí a muchas nuevas tácticas y métodos, y quería una manera de hacer lo mismo con la letra. En los últimos años, me sentí atraído por la música de Grateful Dead, que fue importante para mí en los años 70. En particular, me gusta el hecho de que tenían un hombre en la banda encargado de escribir letras, Robert Hunter, que no subía al escenario, pero escribió letras increíbles para ellos. Quería otro punto de vista para las palabras, para que todo no se generara desde mi propio punto de vista. Resultó ser una colaboración muy interesante y gratificante: creo que los dos estamos bastante satisfechos con los resultados y esperamos trabajar más juntos.

¿Cómo fue trabajar con Raúl Fernández de nuevo? 

Raúl trajo un montón de nuevas técnicas al proceso y realmente la pasamos increíble trabajando en el estudio en las canciones, las letras, las voces y todo. A diferencia de mi último disco, Last Night On Earth, que fue un verdadero disco de banda, prácticamente grabado en vivo, las canciones de este álbum son en gran medida creaciones de estudio, trabajadas con overdubs, etc.

Ambos admiramos mucho las producciones clásicas de los 60 – Pet Sounds, Sgt Pepper – y queríamos hacer algo en esa línea – ser creativos en el estudio -, pero también trabajar con baterías electrónicas y ritmos más modernos de lo que normalmente se encontraría en uno de mis discos. Los dos elaboramos el disco durante un año de sesiones intermitentes en el estudio. Mi banda y otros músicos, Nels Cline, Sharon Van Etten, Kid Millions, tocan en el disco, pero no es un “disco de banda” en el mismo sentido en que lo fue Last Night On Earth. Hay más ‘producción’ involucrada en este disco, muy diferente a obtener un buen sonido y grabar una banda básicamente ‘en vivo’ en una habitación, que es lo que hicimos en Last Night On Earth. Tiene muchos elementos acústicos así como mucha guitarra eléctrica, es una muy buena mezcla de los dos.

Estoy muy orgulloso, creo que es una de las mejores cosas que he hecho. Fue un trabajo arduo pero, en general, fue fantástico y creo que mi colaboración con Raúl continuará.

¿Qué podés contarme sobre las colaboraciones con artistas como Sharon Van Etten, Nels Cline de Wilco y Kid Millions?

Además de Raúl y Jonathan, trabajé con muchos amigos, viejos y nuevos, en el álbum. Sharon Van Etten canta en seis canciones, incluyendo un dúo conmigo. Nels Cline toca un montón de canciones, y Kid Millions de la banda Oneida está en la batería en algunos tracks. Steve Shelley, Alan Licht y Tim Luntzel (fallecido en agosto de 2017), los miembros de The Dust (la banda con la que toca Lee), también figuran en estas pistas. Cada uno trajo sus talentos especiales y contribuyó con ideas y actuaciones que ayudan a que el disco cobre vida.

Trabajar con Sharon en las pistas vocales fue especialmente divertido. Siempre me ha gustado la forma en que suena mi voz cuando se combina con una voz femenina, desde el primer EP de Sonic Youth, donde Kim y yo hicimos algunas voces superpuestas juntas. Nunca nos habíamos conocido formalmente cuando le pedí que cantara en el disco, pero resultó que era fan de Sonic Youth y la pasamos muy bien. Nels es un viejo amigo que ya ha tocado en otros discos míos y también en varias cosas que he producido para otros a lo largo de los años. Tenemos una relación muy buena y siempre es una maravilla verlo trabajar en el estudio.

Leí que uno de tus hijos participó en uno de los temas. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Volverías a trabajar con él en el futuro?

Sí, mi hijo mayor, Cody, tocó un poco, pero fue más importante detrás de escena en este álbum, ayudándonos a resolver detalles técnicos y cosas con las computadoras y las cajas de ritmos … Siempre es divertido tener a uno de mis hijos involucrado en un proyecto.

¿Estabas escuchando algún artista o banda en particular mientras trabajabas en Electric Trim?
Muchas influencias diferentes aparecieron en el disco, desde un álbum de los años setenta tocado por Maxine Nightingale, hasta varios álbumes, viejos y nuevos, que deben su existencia a la voluntad de ver el estudio como un laboratorio de investigación sólida.

Creo que una de las cosas por las que íbamos en este álbum, Raúl y yo, era una cualidad realmente “de estudio”. El espíritu de nuestro esfuerzo colaborativo fue la influencia más importante, más que cualquier banda o artista en particular. Hicimos referencia a muchas referencias musicales diferentes, a veces una docena o más en un solo día, pero fue el espíritu con el que se hicieron nuestros álbumes favoritos lo que más nos influyó en este disco. No intentábamos copiar a nadie más, sino crear una nueva síntesis de las cosas que a todos nos gustaban, de muchas áreas de la música y el arte.

Con este disco, muy bien recibido por la crítica y los fans, ¿sentís que encontraste tu sonido?
El “sonido” de uno siempre está evolucionando, los registros son como tarjetas postales, se toman instantáneas de lo que en realidad es una transmisión en el tiempo. La música de uno existe en el tiempo y un álbum o pista ‘arregla’ una canción en particular de cierta manera, pero luego, cuando se reproducen canciones en vivo, pueden tomar caracteres completamente diferentes. Siento que este disco fue un paso definitivo en muchos sentidos, un paso más allá del sonido con el que me han asociado durante tanto tiempo, dos guitarras, bajo y batería tocadas en vivo en una habitación. Este disco está lleno de un estilo diferente de técnicas de producción y sonidos, y estoy muy feliz con la forma en que salió. Su éxito, artísticamente, quizás me haya empujado a continuar siendo más exploratorio en el futuro. Trataré de trabajar más con Raúl y Jonathan para el próximo álbum. Estamos empezando a hablar de eso, en realidad, pero estoy seguro de que va a ser un proceso muy diferente del que fue este.

Vas a tocar en Buenos Aires en diciembre. Ya tocaste acá, así que conoces a los fans argentinos. Este va a ser un show acústico. ¿Qué tienen que esperar los fans argentinos, y qué esperas vos?

Hice dos conciertos acústicos en solitario en Buenos Aires el año pasado, pero pasó mucho tiempo antes de que el álbum saliera y es interesante volver a tocar muchas de las mismas canciones, solo que ahora espero que mucha gente haya escuchado el álbum y esté más familiarizado con él. Este show se enfocará en versiones simplificadas de las canciones del álbum y tal vez en algunas de mis canciones más antiguas. Realmente disfruto el formato acústico, es muy íntimo y la conexión con el público se siente muy fuerte en este tipo de show.

¿Alguna canción favorita?
Realmente no tengo un tema favorito. Trabajamos tanto con todos ellos y realmente amo cada uno. Debido a que no había una banda propiamente dicha podíamos acercarnos a cada canción como si fuera una pequeña película y tratar a cada una de manera diferente. Eso le da a cada pista más individualidad de la que se encontrará en algunos registros donde la misma gente o banda tocan los mismos instrumentos en cada pista.

*Lee Ranaldo se presenta el 20 de diciembre en Xirgu – Espacio Untref. Entradas disponibles en plateanet.com

Fotos por Anna Bogaciova